Resonance: un retour aux origines de Plague Tale — Labyrinthes crétois, horreur du Minotaure et origines émotionnelles de Sophia

Assis pour jouer à , je l’admets, j’apportais une bonne dose de scepticisme. et le finale à couper le souffle de ont clos l’arc tragique d’Amicia et Hugo de Rune sur une note si brute, si inoubliable, que toute suite risquait de sembler un simple raptage d’argent. Au lieu de pousser maladivement vers l’avant, Asobo Studio fait un pas brillant de 15 ans en arrière dans la jeunesse turbulente du contrebandier favori des fans, . Échangeant les marais boueux et infectés de peste de la France du XIVᵉ siècle pour les falaises de calcaire blanchies par le soleil et les catacombes souterraines étouffantes de , cette préquelle transforme la mythologie centrale de la franchise sans perdre une seule once de son cœur.

Une histoire profondément émouvante qui touche à chaque instant émotionnel

Ce qui m’a tout de suite accroché — et qui m’a collé à l’écran jusqu’au cœur de la nuit — c’est la façon dont le récit se déploie avec une telle naturellement, et à quel point il devient profondément émouvant. Asobo ne compte pas sur les mélodrames bon marché ni sur une exposition lourde et maladroite. Nous connaissions Sophia dans comme une capitaine de mer endurcie, farouchement protectrice, à la langue bien tranchée et au cap intangible. Dans , nous la découvrons dans sa vingtaine : acculée par les chasseurs de primes vénitiens, hantée par l’équipage qu’elle n’a pas pu sauver, masquant une culpabilité profonde sous l’audace et la colère.

Lorsque sa recherche d’une relique minoenne volée la mène sous les ruines de Knossos, la révélation la frappe tel un coup dans le ventre. L’ancien mythe crétois du n’est pas traité comme une simple fantaisie : Asobo l’intègre habilement à la lignée de la , en un Protecteur primordial déformé par des siècles d’isolement, de soufre et de chagrin. Observer la propre solitude brisée de Sophia refléter les souffrances de cette créature enchaînée et imposante crée un lien à la gorge serrée qui vous rappelle pourquoi A Plague Tale se distingue de presque toutes les autres aventures narratives disponibles sur le marché.

Des puzzles qui atteignent le juste milieu doré entre facile et moyen

L’une de mes plus grosses sources d’irritation dans les jeux d’aventure-action cinématographiques, c’est le rythme des énigmes. Trop souvent, les jeux vous insultent en vous proposant des interrupteurs à un seul bouton sans aucun effort intellectuel, ou bien vous freinent brutalement avec des devinettes obscures qui vous obligent à chasser les pixels et à consulter un guide en dehors du jeu. parvient à trouver l’équilibre avec une facilité déconcertante.

Chaque énigme se situe parfaitement dans cette zone idéale entre — assez captivante pour vous faire sentir malin, mais jamais assez fastidieuse ou frustrante pour ralentir le rythme du récit. Armée de sa en bronze, Sophia canalise les rayons du soleil méditerranéen et la lueur des torches à travers d’anciens prismes pour enflammer les poches de soufre piégées, ouvrir les écluses des citernes inondées et dégager des passages sûrs dans l’obscurité. Elles s’enchaînent comme l’eau, vous offrant une bienvenue respiration entre les longues séquences de furtion tendue, sans jamais lasser.

Parlons des combats : là où les affrontements déçoivent

Il y a une chose que je dois d’abord admettre : je n’ai pas vu Avatar de Feu. Je ne l’ai pas regardé, et je ne compte pas le regarder. Je n’ai aucune intention de m’asseoir pendant deux heures et demie pour voir un gars en feu courir après une fille dans la forêt. Il y a des films que je ne regarderai jamais, et celui-là en fait partie.

Cependant, je peux regarder des gens parler de ce film, et c’est précisément ce que j’ai fait. J’ai visionné des critiques, des analyses et des commentaires de la part de personnes qui l’ont effectivement vu. Et il s’avère que c’est en fait assez intéressant.

En fait, j’ai découvert quelque chose d’étrangement fascinant : les gens adorent ce film. Ils l’adorent vraiment. Il y a des gens qui ont vu ce film au moins dix fois, et qui le voient encore et encore. Il y a des gens qui en parlent comme s’il s’agissait du plus grand œuvre cinématographique jamais créé. Il y a des gens qui ont des tatouages liés à ce film.

Et c’est là que ça devient intéressant. Parce que quand je regarde ces personnes, et que j’écoute ce qu’elles disent, je réalise quelque chose d’étrangement fascinant : elles n’ont pas vu le même film que moi.

Parce que moi, quand on me demande ce que je pense de Avatar de Feu, ma réponse est toujours la même : les combats sont nuls.

Et c’est là que les choses deviennent intéressantes. Parce que quand je dis cela, les gens me regardent comme si je venais de dire que la Terre est plate. Ils ont l’air de ne pas croire ce qu’ils entendent. Et je comprends pourquoi. Parce que pour eux, les combats sont la meilleure partie du film.

Alors laissez-moi vous expliquer pourquoi je pense que les combats sont nuls. Et laissez-moi aussi vous expliquer pourquoi je pense que c’est un problème.

Le premier problème, et c’est peut-être le plus fondamental, c’est que les combats n’ont pas de poids. Prenez le combat final, par exemple. Aang affronte le Roi de Feu, et je m’attendais à ce que ce soit un moment intense. Après tout, c’est le combat final de la série. C’est le moment vers lequel toute l’histoire a convergé. Et pourtant, quand Aang frappe le Roi de Feu, il le fait… simplement. L’homme est projeté en arrière, il percute un rocher, et puis il tombe à terre. Et c’est tout.

Il n’y a aucune sensation de poids, d’impact, de conséquence. C’est comme si Aang donnait un coup de pied à quelqu’un fait de plumes, et que cette personne volait simplement en arrière comme si elle avait été lâchée. Et c’est décevant, parce que ce combat devait avoir de l’impact. C’était le combat final. C’était la conclusion de toute une histoire. Et pourtant, il s’est terminé aussi faiblement qu’un combat aléatoire du milieu de la saison.

Le deuxième problème, c’est que les combats n’ont pas de tension. Regardez le combat entre Zuko et son père, le Roi de Feu. C’est censé être un moment énorme. C’est le moment où Zuko doit enfin faire face à son père, et régler les choses. Et pourtant, quand je regarde ce combat, je ne ressens aucune tension. Parce que je sais déjà comment ça se termine. Je sais que Zuko va gagner. Je sais que son père va perdre. Et donc, il n’y a aucune raison pour que je m’inquiète.

Et c’est là que le problème devient évident. Parce qu’un bon combat, un combat qui compte, doit avoir de la tension. Doit avoir un sentiment de incertitude. Doit avoir un sentiment de « je ne sais pas si cette personne va gagner ». Mais dans Avatar de Feu, il n’y a jamais cette incertitude. Nous savons déjà qui va gagner. Et donc, il n’y a aucune raison pour que nous nous soucions.

Le troisième problème, c’est que les combats n’ont pas de sens. Prenons le combat entre Aang et le Roi de Feu, encore une fois. Aang est un maître de l’eau, de la terre, du feu et de l’air. Il est le Dernier Souffle d’Air, et il est censé être le plus puissant des quatre maîtres. Et pourtant, quand il combat le Roi de Feu, il semble… faible. Il semble presque insignifiant. Comme s’il n’avait pas vraiment d’impact sur le combat.

Et c’est décevant, parce que Aang est censé être le héros. Il est censé être le plus puissant. Et pourtant, quand il combat, il semble presque inutile. Comme s’il n’avait pas vraiment d’importance. Et c’est là que le problème devient évident. Parce qu’un héros, un vrai héros, doit avoir un sentiment de puissance. Doit avoir un sentiment de capacité à faire la différence. Mais dans Avatar de Feu, le héros semble presque inutile. Et c’est décevant.

Maintenant, je veux être clair ici. Je ne dis pas que les combats sont terribles. Je ne dis pas qu’ils sont mauvais. Je dis qu’ils sont insuffisants. Ils ne sont pas mauvais au point d’être ingérables. Mais ils ne sont pas non plus bons au point d’être mémorables. Et c’est là que le problème devient évident. Parce que quand vous regardez un film, vous voulez vous souvenir des moments. Vous voulez vous souvenir des combats. Vous voulez vous souvenir des moments qui vous ont fait ressentir quelque chose. Mais dans Avatar de Feu, je ne peux pas me souvenir d’aucun combat. Parce qu’aucun d’eux ne m’a fait ressentir quoi que ce soit.

Et c’est là que je pense que le problème devient important. Parce que je crois qu’un film, un bon film, doit vous faire ressentir quelque chose. Doit vous faire vous souvenir de quelque chose. Mais dans Avatar de Feu, je ne peux pas me souvenir de rien. Parce qu’aucun combat ne m’a fait ressentir quoi que ce soit.

Alors, pourquoi est-ce un problème ? Parce que je crois qu’un combat, un bon combat, est l’une des choses les plus importantes dans un film d’action. C’est le moment où tout converge. C’est le moment où tout se résout. C’est le moment où le héros gagne ou perd. Et si ce moment ne compte pas, alors tout le film ne compte pas.

Et c’est là que je pense que Avatar de Feu échoue. Parce que ses combats

Aussi remarquables que soient l’histoire et les énigmes, l’honnêteté exige de reconnaître le point faible du jeu :

Dans les bandes-annones, remplacer l’arbalétrière d’Amicia par le sabre courbe de Sophia et les parades chronométrées s’apparentaient à une évolution passionnante. En pratique, Asobo Studio se montre encore nettement à son aise dans la conception des combats au corps à corps. Les duels un contre un offrent un clang métallique appréciable quand on réussit une parade, mais dès que trois gardiens vénitiens blindés vous coincent dans un étroit passage de calcaire, les failles apparaissent vite :

• Caméra exiguë et friction du verrouillage :
• Ensemble de mouvements superficiels :
• IA ennemie prévisible :

Visuels et audio : le contraste de la mer Égée ensoleillée rencontre la terreur souterraine

Visuellement, le moteur propriétaire d’Asobo reste une véritable prouesse. Les falaises côtières de Crète, les oliveraies qui dansent au vent, les embruns marins et les fresques minoennes patinées y mettent en valeur une photogrammétrie d’une netteté tranchante, qui contraste brillamment avec le brouillard de spores jaunes et étouffant et les arches gothiques enfouies sous l’île. Et le compositeur livre une nouvelle fois une véritable leçon de maître — échangeant les cordes françaises médiévales contre la lyra crétoise, l’oud, le luth et les percussions en bronze bourdonnantes qui résonnent de façon hantée dans chaque caverne enchaînée.

Optimisation du PC et tests de performance des consoles

Par rapport au lancement notoirement exigeant de , est livré dans un état technique remarquablement abouti. L’attribution de mémoire DirectX 12 fonctionne proprement, sans à-coups liés à la compilation des shaders, et le DLSS 3.7 comme le FSR 3.1 Frame Generation maintiennent une cadence d’images remarquablement stable sur les configurations de milieu de gamme comme sur les machines d’enthousiastes.

Les consoles PlayStation 5 et Xbox Series X doivent conserver le Mode Performances pour viser les 60 images par seconde — à l’exception de rares baisses jusqu’à 52 images par seconde lors de violentes detonations de particules de soufre, la réactivité reste nettement plus fluide lors des échappées furtives.